美术生在学习油画之处都会学习素描，这也被称为是油画的基础。想要真正的画出油画的神韵，其中有一个名词叫做笔触，所谓的笔触是油画艺术中的重要的审美指标之一，每一个美术生想要真正的掌握这个艺术，需要不断的去思考去感悟。再来说说油画的“润”，油画在绘制完成之后，往往需要很长时间的干燥，所以其中的“润”就显得的重要。就这两个概念下面我们一一介绍!

　　先来说说笔触。

　　笔触是油画艺术里相当重要的审美指标之一，油画中的笔触，跟国画中的线条和皴擦点染，在审美意义上完全一样，是油画家操控油画笔或画刀，使用刷、挫、拍、扫、涂等技法，在画面上形成的运行痕迹，既是笔法与画面的构成形式和表现形式，也是画家自我情感宣泄的方式，以及个性气质的自然流露。

　　以现代的审美眼光来看，如果油画作品中看不到笔触，画面看起来平滑、细腻，就跟印刷品没什么两样，自然缺乏应有的审美价值。

　　如果以美术史的角度来看，没有笔触的油画，未必就不是好作品。

　　西方文艺复兴时期的古典画法，如达芬奇的《蒙娜丽莎》、《丽达与天鹅》，拉斐尔的《圣母子》、《美惠三美神》、《菲娜丽娜的肖像》等名作，通常看不到，甚至压根就没有笔触，但并不影响这些作品是力作。

　　根本原因是，文艺复兴前期的油画，主要以佛罗伦萨画派为代表，是油画的发展初期，画家意识里只有造型和光影的概念，只要在作品里表现出具有雕塑般的立体造型，合理的结构比例，以及亮暗分明的光影关系，就算是作品了。

　　在文艺复兴后期的威尼斯画派，诞生了一名绘画大师提香，他意识到了色彩的重要性，才在创作中逐渐丰富了色彩的视觉效果。

　　直到17世纪的巴洛克风格时期，油画家才逐渐意识到笔触的重要性。

　　巴洛克的绘画理念，就是用绘画来表达饱满炽热的生命激情，展现浪漫主义情结。古典画法在技法上不讲究笔触的运用，那种过于追求细腻、理性、和谐、唯美的风格特点，不适合巴洛克绘画理念的表达，因此，这时期的油画家会想方设法用笔触来渲染情绪，像鲁本斯、伦勃朗等巴洛克代表画家，对笔触的运用做出了巨大贡献。

　　这些画家抛弃了细腻典雅的古典画法，运用刷、扫、涂、抹等技法，把画面形式跟个人情感自然结合在一起，留下了粗犷的，富于质感的笔触，因此，他们的作品总是呈现出一种汹涌澎湃的节奏感，如同奔腾的河流，而非像古典画法那样，是平静柔和的湖泊。

　　实际上，笔触在油画中的审美作用，真正得到发扬光大，是在19世纪中后期的印象派和后印象派时期了。

　　其中，尤以雷诺阿和梵高的笔触较为鲜明。

　　雷诺阿善于把缤纷的色彩融合进斑驳迷离的光影效果里，形成一种有虚有实、明快活泼的笔触形式，画面极具有视觉效果。

　　梵高发明了波浪形笔触和螺旋形笔触，善于塑造自我感受中，亦真亦幻的场景，给画面赋予了热烈的情感印记，因此，梵高的画，写意，有很强的抒情效果。

　　另一方面，摄影技术在19世纪中后期发展成熟，在写实方面，油画完全落败于摄影，因此，追求笔触效果和写意情怀，成为此后的油画主流方式。

　　下面再来说说怎样让油画变润!

　　刚创作出来的油画作品，确切地说，创作出来不过5年的油画作品，看起来都是很润泽的，因为油画颜料里边本身就含有油质，能较长时间保持油画的润泽度。

　　油画颜料是把带有颜色的天然矿石研磨成细粉末后，然后跟油和胶混合，搅拌成半固体状，装进锡管里，画家在画油画时，随时挤出来使用。

　　由于颜料中的油需要经过5年左右才能完全干燥，因此，画好的油画，在颜料中的油质没有干燥前，看起来都是润泽的。

　　另一方面，画油画时，需要用亚麻仁油、核桃油、罂粟油等油料来调和颜料，如果颜料还比较浓稠，达不到画画的要求，画家会进一步用松节油稀释颜料。

　　这些油料也会让油画的表面在较长时间内保持润泽，直到油画完全干燥后，才会显得画面干燥、无光。

　　油画的较后一道工序是给作品表面上光油。上光油是一种油性液体，以水性上光油较为常见，使用时用水做稀释剂，均匀涂抹在画面即可，水性上光油具有快干性和无污染性的特点，使用很方便。上光油的目的是有效增加油画的光泽度和防水性，让油画看起来更加美观漂亮，色彩更鲜艳，更富有层次感。

　　油画上的上光油跟印刷行业的上光油在效果上完全一样。铜版纸印刷品之所以看起来比较光滑、鲜亮和润泽，实际上就是给印刷完毕的铜版纸表面上光油的缘故。

　　油画作品就像人的脸蛋一样，经常给它表面补充水分，它才能保持鲜亮和润泽。或者说跟皮鞋、皮衣一样，经常清理表面的灰尘，定时给其表面擦油，它才能保持亮泽度，在视觉上更好看。

　　油质是油画颜料的媒介，如同水分之余土壤，失去水分的土壤肯定会变得干燥。因此，定时定量给油画补充油质，是保持油画润泽度的方法。油画颜料分为天然矿物颜料和化学颜料，如果油画作品是天然矿物质颜料所画，每隔3——5年进行一次上光油即可，如果是化学颜料所画，差不多年年需要上光油，才可以增加润泽度。